켈리 보쉬(Kelly Boesch)                                                                  

미국(United States)

@kelly_boesch_ai_art

 

로스앤젤레스에서 활동하는 켈리 보쉬는 시각 디자인과 순수 미술, AI의 교차 지점에서 동시대 디지털 실천을 탐구하는 비주얼 아티스트이다. 시네마틱 스토리텔링 분야에서 축적한 감각을 바탕으로, 기억과 대기, 영적 함의를 담은 상상적 판타지를 대규모 몰입형 경험의 형태로 구현한다. 추상 회화, 패션, 그래픽 디자인, 뮤직비디오, 영화에 이르기까지 시각 문화 전반의 경계를 넘나들며 예술과 상업의 접점을 자유롭게 탐색 하는 그녀의 작업은, 실험적인 디자인 구성과 강렬한 원색의 조화, 그리고 몽환적인 초현실주의 서사가 형성하는 ‘개념적 개방성’을 특징으로 한다. 인간의 예술적 감수성과 최첨단 디지털 도구가 만나는 지점에서 창의성의 한계를 확장하는 그녀는, 정교한 프롬프트 설계와 특유의 미학적 직관을 기반으로 디지털 아트의 새로운 지평을 열고 있다.

 

미국 애크런 대학에서 미술을 전공한 이후, 켈리 보쉬는 17여 년간 아이맥스에서 필름 프로덕션 및 마케팅 커리어를 쌓으며 시각 매체에 대한 전문성을 다져왔다. 런웨이ML, 루마, 피카, 미드저니, 미니맥스 등 세계적인 AI 플랫폼의 크리에이티브 파트너로 활동했으며, 2026년에는 TED 토크에서 를 주제로 강연했다. 그녀의 작업은 W1 큐레이츠(영국, 2026 예정), 포토그라피스카 박물관(스웨덴, 2026 예정), 마이애미 아트 위크 (미국, 2025), 시더허스트 예술 센터(미국, 2025) 등에서 국제적으로 선보여져 왔다.

 

Based in Los Angeles, Kelly Boesch is a visual artist who explores contemporary digital practice at the intersection of visual design, fine art, and AI. Drawing on the sensibility she has developed in the field of cinematic storytelling, she realizes imaginative fantasies infused with memory, atmosphere, and spiritual implications in the form of large scale immersive experiences. Moving fluidly across the boundaries of visual culture— from abstract painting and fashion to graphic design, music video, and film—her work freely navigates the intersection between art and commerce. It is characterized by a “conceptual openness” shaped through experimental design compositions, the harmony of vivid primary colors, and dreamlike surrealist narratives. Expanding the limits of creativity at the convergence of human artistic sensitivity and cutting-edge digital tools, she opens new horizons for digital art through the integration of precise prompt design and her distinctive aesthetic intuition.

 

After majoring in Fine Arts at the University of Akron in the United States, Boesch built a solid professional foundation in visual media through a 17-year career in film production and marketing at IMAX. She has worked as a creative partner with leading AI platforms—including RunwayML, Luma, Pika, Midjourney, and Minimax—and in 2026 delivered a TED Talk titled The Future of AI and Human Creativity. Her work has been presented internationally at W1 Curates (UK, upcoming 2026), the Fotografiska Museum (Sweden, upcoming 2026), Miami Art Week (USA, 2025), and the Cedarhurst Center for the Arts (USA, 2025), among others.

 

<나는 괜찮아>, 2026

 

해변과 사막의 광활한 풍경을 배경으로 한 <나는 괜찮아>는 감각적인 색채와 패션, 역동적인 구성을 통해 한층 유쾌하고 생동감 넘치는 미학을 제시한다. 그러나 이러한 시각적 쾌감 이면에서, 작품은 사변적 스토리텔링을 통해 ‘실존’에 관한 보다 근원적인 주제로 나아간다. 일상의 맥락이 제거된 초현실적 풍경 속에서 세계는 공중으로 부유하고 견고했던 것들이 해체되지만, 작품은 이러한 혼란과 상실 속에서도 묵묵히 전진하는 인간 내면의 고요한 순간을 포착한다.

 

화면 속 전위적인 인물들—기묘한 혼종 생명체, 거대한 유기적 형상, 표류하는 눈알들—은 휘몰아치는 폭풍 속에서도 두려움 없이 발을 내딛는다. 예측 불가능하고 낯선 환경에도 불구하고, 이 이미지들은 오히려 깊은 평온함과 소속감을 환기한다. 작품은 미지의 세계에 대한 불안을 뒤로한 채, 서로 다른 논리로 작동하는 세계 속에서 다양한 주체들이 ‘절대적 자유’를 발견하는 여정을 보여주며, 새로운 현실 속에서 깨어나는 실존적 감각을 구현한다. 미드저니로 설계되고 VEO3를 통해 구체화된 이 작업은, 작가가 직접 작사하고 수노로 제작한 동명의 곡 <나는 괜찮아>와 완벽한 조화를 이룬다. ‘요동치는 세계’와 ‘정지한 자아’ 사이의 괴리를 다루는 가사는 서사의 깊이를 더하며, 디지털 아트의 감각적 즐거움과 음악이 지닌 정서적 울림을 동시에 전달한다.

 

I Feel Alright, 2026

 

Set against the vast expanse of ocean and desert, I Feel Alright presents a playful and vibrant aesthetic through sensorial color, elaborate fashion, and dynamic composition. Yet beneath this visual pleasure, the work employs speculative storytelling to engage more fundamental questions regarding the “existence.” Within a surreal landscape stripped of everyday context, the world appears suspended in midair and what once seemed solid begins to dissolve; amid this confusion and loss, the work captures a quiet inner moment of resolve to keep moving forward.

 

On screen, avant-garde figures—bizarre hybrid creatures, towering organic forms, and disembodied eyes adrift— step forward fearlessly amid the sweeping storm. Despite the unpredictable and unfamiliar environment, these images paradoxically evoke a profound sense of calm and belonging. The work portrays a journey in which diverse subjects, leaving behind the anxiety of the unknown, come to discover “absolute freedom” within worlds governed by their own internal logics. It further articulates an existential sensibility that awakens within a new reality unbounded by convention. Designed using Midjourney and realized through VEO3, the work achieves a seamless harmony with the eponymous track I Feel Alright, written by the artist and produced with Suno. The lyrics, which explore the disjunction between a “turbulent world” and a “still self,” deepen the narrative while simultaneously conveying the sensorial pleasure of digital art and the emotional resonance of music.

 

<용기를 품은 이들에게>, 2026

 

<용기를 품은 이들에게>는 거대한 자연의 파괴적 힘 앞에서도 꿋꿋이 제 자리를 지키려는 인간의 본능에 주목한 작업이다. 나아가 타인을 보호하기 위해 위험 속으로 기꺼이 발을 내딛는 순간에 감지되는 압도적 감각—아름다움과 경외, 그리고 두려움이 교차하는 ‘숭고’의 미학을 드러낸다.

 

이러한 실존적 공포를 초현실적이고 영화적인 언어로 번역하기 위해, 작가는 고립된 인물들을 종말론적 환경 속에 배치하는 전략을 택한다. 천둥과 파도가 뒤엉키는 풍경 속에서, 얼굴의 윤곽을 그리며 솟아오르는 폭풍 구름, 차원문 사이로 명멸하는 빛의 균열과 타오르는 불길, 그리고 하늘에 거꾸로 매달린 도시와 같은 극적인 이미지들은 자연의 초월적 힘이 만들어내는 긴장을 한층 고조시킨다. 이처럼 극복 불가능해 보이는 풍경 앞에서도 인물들은 도망치거나 무력해지지 않는다. 대신 붉은 점토가 무너지는 길 위에 발을 딛고 나아가거나, 제자리를 지키며 공포를 정면으로 응시한다. 이로써 작품은 모든 것이 소멸해가는 순간에도 끝까지 버티며 남은 이들을 향해 손을 내미는 용감한 존재들에 대한 시각적 헌사가 된다.

 

For The Brave, 2026

 

For The Brave is a work that focuses on the human instinct to steadfastly hold one’s ground in the face of nature’s vast destructive force. It further conveys the aesthetics of the “sublime”—an overwhelming sensation perceived at the moment one willingly steps into danger to protect others, where beauty, awe, and fear intersect.

 

To translate this existential fear into a surreal and cinematic language, the artist adopts the strategy of placing isolated f igures within apocalyptic environments. Against a backdrop of clashing thunder and surging waves, dramatic images— storm clouds rising to form colossal facial contours, flickering f issures of light between dimensional thresholds, blazing f lames, and entire inverted cities suspended in the sky— intensify the tension generated by nature’s transcendent power. Even when confronted with landscapes that appear insurmountable, the figures neither flee nor succumb to helplessness. Instead, they plant their feet on collapsing red clay and continue forward, or stand their ground, facing fear head-on. In doing so, the work becomes a visual homage to brave beings who endure until the very end, extending a hand to those who remain even as the world collapses.