에드 카(Edd Carr)                                                                           

영국(United Kingdom)

@_eddcarr_

 

에드 카는 노스 요크셔 기반의 미디어 아티스트이자 연구자로, 사진적 프로세스를 무빙 이미지로 확장해 트라우마, 환경 위기, 인류세, 그리고 자본주의 맥락에서의 인간과 생태계 간 상호 얽힘과 긴장을 시각화한다.

 

노스 요크셔 주의 시골 지역에서 자란 그는 곤충학을 전공한 할머니의 영향으로 유년 시절부터 일찍이 자연계의 기록과 보존에 깊은 관심을 두어 왔다. 그의 작업은 식물성 원료로 현상한 35mm 필름, 시아노타입 애니메이션, 토양 프린트, 수제 유제 등 아날로그 기법과 디지털 레이어링을 결합하여, 자연의 실제 요소가 필름 유제의 일부가 되는 ‘재료 중심적’ 미학을 구축한다. 특히 흙, 빗물, 숯과 같은 유기적 물질을 애니메이션 공정에 통합함으로써 이미지 제작 과정 자체를 하나의 생태적 실천으로 전환한다.

 

영국 로열 컬리지 오브 아트에서 현대미술 전공으로 석사를 취득한 이후, 그의 작업은 사치 갤러리(영국, 2025; 2024), 서머셋 하우스 (영국, 2025), BFI 런던 영화제의 일환으로 ICA 런던(영국, 2024), 르낭트르 다를(프랑스, 2025), 디자인 마이애미(미국, 2024), 런던 아트 페어–포토50(영국, 2024), 도쿄 아트 앤 스페이스 혼고(일본, 2024), 리즈 아트 갤러리(영국, 2023) 등 주요 국제 기관에서 선보여졌다. 또한, 그는 필름 런던 선정 최우수 아티스트 필름메이커 어워드(2025), 영국 채널 4 랜덤 액츠 어워드(2017), 와일드 필름 페스트 혁신 어워드(2017)를 수상했다. 현재 필름 런던 플라민 펠로우로 활동 중이며, 아날로그 및 디지털 사진에 대한 환경적으로 지속 가능한 대안을 연구, 개발 및 옹호하는 데 전념하는 세계 최초의 조직인 ‘지속 가능한 암실’의 공동 디렉터를 맡고 있다.

 

Based in North Yorkshire, Edd Carr is a media artist and researcher whose practice expands photographic processes into moving images to visualize trauma, environmental crisis, the Anthropocene, and the entanglements and tensions between humans and ecosystems within the context of capitalism.

 

Having grown up in rural North Yorkshire, he has held a deep interest in documenting and preserving the natural world from an early age, influenced by his grandmother, who studied entomology. His work constructs a “material-centered” aesthetic by combining analogue techniques—such as plant developed 35mm film, cyanotype animation, soil prints, and hand-crafted emulsions—with digital layering, through which actual elements of nature become part of the film emulsion itself. In particular, by integrating organic materials such as soil, rainwater, and charcoal into the animation process, he transforms the image-making process itself into an ecological practice.

 

Since earning his MA in Contemporary Art from the Royal College of Art in United Kingdom, his work has been presented at major international institutions including the Saatchi Gallery (UK, 2025; 2024), Somerset House (UK, 2025), the ICA London as part of the BFI London Film Festival (UK, 2024), Rencontres d’Arles (France, 2025), Design Miami (USA, 2024), London Art Fair – Photo50 (UK, 2024), TOKAS Hongo (Japan, 2024), and Leeds Art Gallery (UK, 2023). Additionally, he has received the Film London’s Best Artist Filmmaker Award (2025), the Channel 4 Random Acts Award (UK, 2017), and the Wild Film Festival Innovation Award (2017). He is currently a Film London FLAMIN Fellow and serves as Co-Director of “The Sustainable Darkroom,” the world’s f irst organisation dedicated to the research, development, and advocacy of environmentally sustainable alternatives to analogue and digital photography.

 

<나비목>, 2025

 

<나비목>은 작가의 아동기 트라우마와 나비의 멸종이라는 두 개의 서사를 하나의 화면 안에서 교차시키는 실험적 영상이다. 제목 ‘나비목’은 나비와 나방을 포괄하는 곤충 분류 체계를 가리킨다. 이 작품은 나비의 생애 주기, 유년기의 기록 영상, 그리고 생태·기후 위기라는 주제를 수작업 프린트 애니메이션 매체 안에서 정교하게 엮어낸다.

 

영상의 도입부인 ‘나는 나비에게서 태어났다’는 나비와 자신을 동일시하는 태도를 드러낸다. 화면에 등장하는 ‘살충제 사용’, ‘탄소 배출’, ‘생태계 붕괴’ 등의 문장은 생태적 위협을 환기한다면, ‘내 아들아, 울지 마라’, ‘떨어져’, ‘너를 낳지 말았어야 했는데’와 같은 문장들은 개인적·가정적 상처를 암시한다. 이 이질적인 언어들은 영상 전반에 걸쳐 충돌하고 교차하며, 동시에 상호 이해와 교감을 통한 치유의 가능성을 모색하는 은유적 구조로 기능한다.

 

제작 과정에서 작가는 다양한 아날로그 사진 공정을 활용해 약 2,600장의 이미지를 직접 프린트했다. 고향의 풍경과 사적인 기억의 단서들은 파편화된 채 나타나 기억의 불완전성과 왜곡을 드러내며, 이는 아날로그 기법 특유의 예측 불가능한 흔들림, 물리적 결점과 결합해 독특한 질감으로 재구성된다.

 

작품에는 고대 오크 숲에서 채취한 나무로 만든 수제 숯, 잎과 나무껍질의 전사 이미지, 폐광지에서 수집한 철분이 풍부한 흙, 직접 받아 쏟은 빗물, 그리고 채집한 잡초로 만든 안료 등 자연적 요소가 사용되었다. 또한, 시아노타입, 에코시아노, 시아노루멘, 안토시아노 등 복합적인 애니메이션 기법의 사용은 나비를 향한 만화경 같은 헌사를 완성한다. 여기에 층층이 쌓인 피아노 텍스처와 전자음으로 구성된 사운드트랙은 서로 다른 프린트 기법의 물성을 청각적으로 환기하며, 시각적 층위와 공명하는 깊은 몰입의 경험을 선사한다.

 

Lepidoptera, 2025

 

Lepidoptera is an experimental video that intersects two narratives: the artist’s childhood trauma and the extinction of butterflies. The title, Lepidoptera, refers to the biological classification of insects that includes both butterflies and moths. This work weaves together the life cycle of a butterfly, archival footage of the artist’s childhood, and the ecological and climate crisis within the medium of hand-printed animation.

 

The opening line of the video, “I was born of the butterfly,” reveals the artist’s identification with the insect. While phrases such as “Pesticide Use,” “Carbon Emissions,” and “Ecosystem Collapse” evoke ecological threats, lines such as “My son, don’t cry,” “Fall,” and “I should never have had you” suggest personal and domestic wounds. These heterogeneous languages collide and intersect throughout the video, functioning as a metaphorical structure that seeks the possibility of healing through mutual understanding and communion.

 

In the production process, the artist hand-printed approximately 2,600 images using various analogue photographic processes. Fragments of his home landscape and private memories appear on screen, revealing the incompleteness and distortion of memory. These are reconfigured into a distinctive texture through their combination with the unpredictable fluctuations and physical imperfections inherent in analogue techniques.

 

The work incorporates natural elements connected to the artist’s life, including handmade charcoal from ancient oak woodland, leaf and bark transfer images, iron-rich soil collected from a disused mine, rainwater poured directly onto the frames, and pigments made from foraged weeds. In addition, the use of multiple animation techniques—such as cyanotype, ecocyano, cyanolumen, and anthocyan— forms a kaleidoscopic homage to butterflies. The soundtrack, composed of layered piano textures and electronic sounds, aurally evokes the materiality of different printing techniques, creating an immersive experience that resonates with the visual layers.