데이비드 사우더(David Szauder)                                                      

헝가리(Hungary)

@davidszauder

 

베를린을 기반으로 활동하는 미디어 아티스트이자 교육자, 큐레이터인 데이비드 사우더는 개념미술, AI, 시각문화의 교차점에서 작업하며 저자성, 지각, 그리고 기계적 주체성을 탐구한다. 그는 글리치 미학, 생성형 시스템, 사변적 내러티브를 결합해 시각적 강렬함과 개념적 엄밀함이 공존하는 독자적 형식을 구축한다. 그의 예술 세계를 관통하는 핵심 동력은 20세기 모더니즘과 초현실 주의 거장들로부터 영감을 받은 미술사적 통찰과 이론적 토대다. AI로 재해석된 전통적 이미지와 역사적 상징은 그의 개념적 렌즈를 거쳐 새로운 비전의 스토리텔링으로 재탄생한다.

 

헝가리 외트뵈시 로란드 대학에서 미술사를 전공한 이래로, 그는 헝가리 데니스 가보르 칼리지에서 컴퓨터 과학을, 헝가리 미술 대학에서 인터미디어를 수학하며 예술과 기술을 아우르는 학문적 토대를 쌓았다. 그는 퐁피두 센터(프랑스), 아르스 일렉트로니카 (오스트리아), 모멘텀 쿤스트라움 크로이츠베르크/베타니엔(독일), 루드비히 미술관(헝가리) 등 세계적인 예술 기관 및 페스티벌에서 전시를 선보여 왔으며, 2009년부터 2014년까지 베를린 헝가리 문화원(.CHB)의 큐레이터를 역임했다. 현재는 베를린과 부다페스트를 기반으로 인터랙티브 미디어 아트 교육과 워크숍을 이끄는 교육자로 활동 중이다.

 

Residing in Berlin, David Szauder is a media artist, educator, and curator who works at the intersection of conceptual art, AI, and visual art, exploring themes of authorship, perception, and machine subjectivity. By blending glitch aesthetics, generative systems, and speculative narratives, he constructs a unique form that is both visually striking and conceptually rigorous. The core thread running throughout his artistic practice lies in the art historical insights and theoretical foundations inspired by the masters of twentieth-century modernism and surrealism. Traditional images and historical symbols— reinterpreted through AI—are reborn as a new vision of storytelling through his conceptual lens.

 

Since majoring in Art History at Eötvös Loránd University in Hungary, he has developed an academic foundation that bridges art and technology through further studies in Computer Science at Gábor Dénes College and Intermedia at the Hungarian University of Fine Arts. His work has been presented at internationally renowned institutions and festivals including Centre Pompidou (France), Ars Electronica (Austria), Momentum Kunstraum Kreuzberg/Bethanien (Germany), and the Ludwig Museum (Hungary). From 2009 to 2014, he served as curator at the Hungarian Cultural Institute in Berlin (.CHB). Currently based between Berlin and Budapest, he is also active as an educator, leading interactive media art courses and workshops.

 

<보호>, 2026

 

피부는 신체를 보호하는 표면이자 감각적이고 투과 가능한 살아 있는 인터페이스이다. 본 작업은 재생과 탈피, 치유를 통해 연속성을 유지해온 피부가 오늘날의 강화된 환경 조건 속에서 점차 불충분한 자연적 방어로 인식되기 시작한다는 문제의식에서 출발한다.

작업은 피부를 둘러싼 ‘노출’의 개념을 미디어적 언어로 탐구한다. 이는 자외선과 같은 물리적 차원을 넘어 개인을 압박하는 사회적· 심리적·구조적 힘으로 확장되며, 이러한 힘들은 일종의 주변적 ‘방사선’처럼 축적되어 개인의 신체를 넘어 집단 전체를 피로와 소진의 상태로 이끈다. 작품은 바로 이러한 외부의 위협 속에서 보호를 모색하며 스스로를 재구성하는 ‘적응형 존재(adaptive entity)’를 형상화한다. 리드미컬하게 변형되는 천을 매개로, 이 형상은 다양한 피부의 층위를 가로지르며 안팎으로 접히고 펼쳐지기를 반복하고, 자신의 경계와 회복력의 한계를 끊임없이 시험한다.

<보호>에서 작가는 천으로 감싼 인물의 아카이브 사진과 철거된 건물의 이미지를 결합해 ‘발견된 재료’에 기반한 시각 언어를 구축한다. 이로부터 ‘신체’이자 ‘폐허’로서의 혼성적 구조가 형성되며, 그 안에서 보호와 붕괴, 은폐와 노출의 경계는 지속적인 불안정과 협상의 상태로 남는다.

 

Protection, 2026

 

Skin is a surface that protects the body, while also functioning as a sensitive, permeable, and living interface. The work begins from the artist’s inquiry into how skin—having maintained continuity through regeneration, shedding, and healing—has come to be perceived as an increasingly insufficient natural defense under the intensified conditions of the present.

The work explores the notion of “exposure” surrounding the skin through a media-based language. This extends beyond physical dimensions such as ultraviolet radiation to social, psychological, and structural forces that exert pressure on the individual. These forces accumulate like a kind of ambient “radiation,” leading not only individual bodies but also the collective toward states of fatigue and exhaustion. The work constructs an “adaptive entity” that reorganizes itself in search of protection amid such external threats. Mediated by rhythmically transforming fabric, this form traverses multiple layers of skin, repeatedly folding inward and outward while continuously testing the limits of its boundaries and resilience.

In Protection, the artist constructs a visual language based on “found material” by combining an archival photograph of a wrapped figure with images of demolished buildings. From this, a hybrid structure—both “body” and “ruin”—emerges, within which the boundaries between protection and collapse, and concealment and exposure, remain in a continuous state of instability and negotiation.

 

<춤을 추자>, 2025

 

작업은 ‘춤’에 대한 깊은 애정을 지니고 있음에도 불구하고, 이를 향한 오랜 결핍을 경험해온 작가의 개인적 배경에 기반한다. 화면에 드러나는 불일치—자연스러운 리듬에 대한 감각의 부재, 조화를 거부하는 신체, 의지를 따르지 않는 다리—는 춤을 향한 반복적인 좌절과 실패의 원인이 되는 동시에, 생성적 긴장을 촉발하는 동력으로 작동한다.

일종의 자기 치유적 장치로 기능하는 이 영상은 리듬에 몰입된 신체의 파편들, 특히 ‘끊임없이 움직이는 다리’를 중심으로 전개된다. 이러한 신체의 묘사를 통해 작품은 멈추지 않는 춤과 강박적인 움직임이 요구되는 상상의 세계를 구축한다. 이 무대 위에서 작가는 자신의 한계와 마주하는 동시에 그것을 넘어서고자 시도하며, 안무 위에 자연스러운 움직임에 대한 욕망을 투사한다.

이처럼 작업은 춤을 재현하거나 단순히 기록하는 데 머무르지 않는다. 그보다 춤을 매개로 욕망과 실패, 반복이 교차하는 심리적 풍경을 구성하며, 그 중심에는 비록 저항적일지라도 여전히 ‘협상의 장’으로 기능하는 신체가 놓여 있다.

 

Let's dance, 2025

 

The work is grounded in the artist’s personal background, marked by an enduring sense of inadequacy despite a deep affinity for dance. The dissonance on screen—a lack of rhythmic sensibility, a body that resists coordination, and legs that refuse to follow intention—becomes both a source of repeated failure and frustration and a driving force that generates productive tension.

Functioning as a form of self-therapy, the video unfolds through fragments of a body immersed in rhythm, particularly “constantly moving legs.” Through this bodily depiction, the work constructs an imagined world in which continuous dancing and compulsive movement are demanded. Within this stage, the artist confronts his limitations while simultaneously attempting to transcend them, projecting a desire for effortless movement onto an ongoing choreography.

In this way, the work does not merely represent or document dance. Instead, it constructs a psychological landscape in which longing, failure, and repetition intersect. At its center lies the body, which—though resistant—continues to function as a “site of negotiation.”  

 

<할로윈드>, 2025

 

작업은 할로윈에 대한 작가의 인식에 뿌리를 둔다. 추수감사절조차 존재하지 않는 환경에서 성장한 그에게, 영화 속에서만 접할 수 있었던 할로윈은 여전히 낯설고 문화적으로 이질적인 현상으로 남아 있으며, 이러한 외부로부터 유입된 문화적 의례는 거리감과 인공성을 동반한 채 인식된다.

한편 이러한 감각은 뉴욕에서 할로윈을 직접 경험하면서 전환된다. 할로윈은 신체, 의상, 그리고 집단적 수행이 결합된 대규모의 몰입적 퍼포먼스로 펼쳐지며, 한때 추상적이었던 개념은 강렬한 현실적 경험으로 변모한다. 그러나 그럼에도 불구하고, 관찰자이자 이방인인 작가에게 할로윈은 완전히 익숙한 것으로 자리 잡지 않는다.

작업은 이러한 뉴욕에서의 기이하고도 이질적인 경험을 바탕으로, 할로윈이라는 초현실적 의례를 작가 자신의 초현실적 세계로 번역한 결과이다. 이 공간에서 참여와 관찰은 긴장 속에 공존하며, 새로운 문화적 경험은 전이와 투사, 그리고 변형의 과정을 거쳐 <할로윈드>의 형태로 재구성된다.

 

Halloweened, 2025

 

The work is rooted in the artist’s perception of Halloween. Having grown up in a context where even Thanksgiving was absent, Halloween—encountered only through cinema— remains an uncanny and culturally dislocated phenomenon. As an imported ritual, it is perceived with a sense of distance and artificiality.

This sensibility, however, shifts through the artist’s direct experience of Halloween in New York City. There, Halloween unfolds as a large-scale immersive performance in which bodies, costumes, and collective enactments converge, transforming what was once an abstract concept into a vivid lived experience. Yet, even so, for the artist as both observer and outsider, Halloween never becomes fully familiar.

Based on this strange and dissonant experience in New York, the work translates Halloween as a surreal ritual into the artist’s own surreal world. Within this space, participation and observation coexist in tension, and a new cultural experience is reconfigured through processes of displacement, projection, and transformation, ultimately taking the form of Halloweened.